TEMA 7

MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

 ¿QUÉ ES EDUCAR A TRAVÉS DE LAS ARTES Y LO VISUAL?

La educación artística no es enseñar al niño a dibujar como un artista realista, ni tampoco es una asignatura para entretener a los niños con trabajos manuales, que rellena el horario para que sea más entretenido el colegio , NO ES UNA HORA SIN PLANIFICAR Y SIN UNA INTENCIÓN FINAL, ““NO ES UN 2º RECREO”.

Es una asignatura que desarrolla aspectos muy importantes de la persona, que son convenientes potenciarlos desde niños. Entre otros aspectos, te enseña a mirar las imágenes de otra manera,  cultivando una mirada curiosa y crítica ante la vida, que de otra manera puede que no se desarrolle. También te enseña un lenguaje diferente para poder expresarte que no te enseña ninguna otra asignatura. Aunque esto, por lo general, no se tiene en cuenta y esto hace que muchos de nosotros seamos unos incompetentes en este lenguaje (y con esto no me refiero a no saber dibujar como un artista realista, si no a no saber utilizar este lenguaje para expresarnos o tan siquiera saber que se puede hacer con este lenguaje, llamado arte).

  • RACIONALIDADES SOBRE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

 A.      Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo.

Es la concepción más antigua (s. XVIII), que busca aprender procedimientos y destrezas para saber dibujar, es decir, realizar dibujo correctamente. Busca lo estético y se basa en la copia y la reproducción de modelos o de la realidad (mimetismo).Con este modo de enseñar podemos conseguir que aprendan hábitos de orden y autodisciplina en el trabajo. También podemos enseñarles a utilizar algunos materiales y procedimientos, sin pretender que el niño los domine como un adulto, o un adulto habilidoso en las artes. Lo aconsejable sería enseñar al niño a dibujar de forma tradicional a los 12 años SI SURGE la necesidad.

Dibujar y usar técnicas artísticas tiene muchas ventajas, como es que  ayuda a dominar  la psicomotricidad fina,  desarrolla la capacidad de planificación, desarrolla la visión espacial, refuerza la capacidad de atención, desarrolla la apreciación y la expresión estética; y a parte a los niños les encanta dibujar espontáneamente.

Pero aprender a dibujar no es suficiente, ya no es imprescindible saber copiar o desarrollar destrezas miméticas hoy en día tenemos la tecnología que nos permite hacer fotos o grabar. Esta tecnología la podemos llevar a clase para trabajar con ella y sacarle beneficio y utilidad (aparte creo que es nuestro deber enseñar lo pasado e introducirle el presente, es decir, las tecnologías, ya que deben saber  desenvolverse en nuestro días). Por otro lado, la búsqueda de la belleza y la ejecución de la correcta técnica limitan las posibilidades del alumno, ya que no todos  llegan a esa corrección, ni quieren utilizar solo lo bello para expresarse. Lo importante es la creatividad, no imitar, que el alumno cree a través de indagar, de criticar su entorno, que lo que cree sorprenda, cuente algo,..

Pero que tenga claro que no hay una única forma de arte, ni un solo modo de verlo o entenderlo.

 B.      Educación Artística para la creatividad y la autoexpresión.

Aparece a principios del siglo XX, después de la II Guerra Mundial. Este modelo se basa en el impresionismo. Este modelo se basaba en los nuevos modos de pintar de las vanguardias y en mitos. Ya no se imita o se copia, ahora se basa en la creatividad y la espontaneidad. Se deja que el niño dibuje libremente y el profesor solo está de acompañante.

Se basaba, también, en el descubrimiento del arte infantil, en el arte espontáneo de los niños que no copian a los adultos. Pero muchos de los dibujos de los niños, aunque no los hagan con las indicaciones de los adultos, son estereotipos y forma que han aprendido.

Pero aunque los dibujos sean más o menos espontáneos pasan por unas etapas que desarrollo Piaget. Estas etapas son conocidas como los estadios del dibujo, y son:

  1. Realismo frustrado. Aquí los niños intentan representar lo que no pueden y la causa de esto es porque no tienen control motriz y no pueden pararse donde ellos quieren. También le va a ser difícil poner junto lo que va junto.
  2. Realismo intelectual. Estos dibujos, nos demuestran las cosas que saben  y lo que conocen de ellas.
  3. Realismo visual. Se van a centrar en los detalles, van a pintar también la transparencias, van a ver distintos puntos de vista.

Los estadios nos pueden de guía sobre la evolución habitual u orientarnos sobre cuál será la próxima zona de desarrollo. Aunque estos estadios se basan en la evolución del dibujo la educación artística no es solo dibujar.

La autoexpresión se basa en conceptos contradictorios. Se basa en la expresión libre del niño, sin nadie que pueda guiarle u orientarle, lo que hace innecesaria la figura del docente pero se propone para la escuela. Con la autoexpresión se está apoyando la idea de que se nace sabiendo dibujar, y el que no dibuje bien nunca lo hará. Y eso es totalmente faso porque se puede enseñar a todo el mundo a dibujar, a unos les costará más y a otros menos, pero con trabajo y enseñando de una manera adecuada se logra. También apoyan, con su puesta en práctica, que la creatividad sale sola, lo que es mentira porque a un niño que le guste los caballos se puede llevar los días y días pintando caballos y no hay quién lo saque de ahí. La creatividad supone trabajo (plantear y solucionar problemas nuevos, y buscar lo desconocido). Por ejemplo, de Van Gogh se pensaba que era autodidacta (vamos que le salía solo) y detrás había un trabajo, una evolución  y una búsqueda por lo nuevo, rompiendo con lo marcado. Hay que tener una base, aunque sea mínima, para poder partir y crear cosas nuevas.

Pero es importante fomentar la creatividad y que valoren sus propias creaciones. También que los niños sean capaces de poder expresarse a través del arte. Que den respuesta a los problemas de forma diferente con sentido reflexivo, con un fin.

Una persona con pensamiento convergente tiende hacia lo usual y lo esperado, una persona con pensamiento divergente tiende primariamente hacia lo original y especulativo. (Getzels y Jackson, 1962).

El error de la autoexpresión era pensar que la espontaneidad no se enseña, es decir, se necesita de una base, unos conocimientos para enriquecerse de la evolución del arte para poder plantear respuestas diferentes. Y para poder plantear esas respuestas se necesita de herramientas, técnicas, procedimientos para partir de ellos y poder innovar.

C.      Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual.

Aparece en la LOGSE y sigue muy presente en la LOE. En otros países ya existía, pero no llego a España hasta que se tradujeron libros anglosajones, introduciendo este movimiento. Las características más importantes de este modelo son: reconoce que existe un lenguaje visual y, por lo tanto, se deberá enseñar sus componentes (color, línea, etc.) para poder expresarse con este lenguaje. Educan al niño como consumidor de imágenes, por tanto, deberá conocer el código de lo visual para poder entender el significado de la obra.

Aunque este modelo tiene grandes problemas. Hay autores que niegan que el arte funcione como un lenguaje. Por otro lado, se insiste mucho en el conocimiento de los procesos formales y técnicos de una obra para entenderla y eso no nos hace que se entienda una obra, estos procesos se utilizan para poder plasmar una idea, un artista puede utilizar la misma técnica para diferentes ideas. Tampoco se puede educar como consumidor de imágenes porque las imágenes nos construyen y co-construyen la realidad. Además las actividades que propone este modelo son aburrida para los niños y no tienen sentido para ellos; y una actividad que el niño no encuentre su finalidad o le sirve para nada. También se presenta una lectura de las imágenes muy automatizada que hace que se pueda perder el trasfondo de la obra. Y lo que importa de una obra es su significado (saber buscar más allá de la obra en sí e indagar qué se ha querido trasmitir).

Pero también se puede sacar cosas interesantes, como es conocer los elementos del lenguaje visual que ayuda entender cómo se crea una obra y cómo funcionan los procesos técnicos; o conocer el código y el uso ortodoxo de los elementos plásticos, que son útiles para quienes trabajen el diseño o la fotografía.

D.      Educación Artística para la comprensión crítica.

Aparece a finales del s. XX y lo importante es que el tema que se trate en las aulas sea significativo, es decir, que tenga sentido para el niño y que se interiorice lo que se quiere trasmitir. Es importante que el tema se presente de forma cercana al alumno para captar su atención, prima que aporte algo al niño, que le sirva.

Nada es verdad exactamente, por eso tenemos que lograr que nuestros alumnos se conviertan en grandes investigadores para que no se dejen engañar, adoptando una visión crítica ante todo. Para logra esto hace falta inculcarles la importancia de ser crítico, mostrándoles algún engaño de nuestra sociedad, investigando todos hasta comprobarlo; es necesario que comprendan que la actitud conformista no es la normal. Que busquen y reflexionen  lo que la obra quiere trasmitir, y que trabajen y reflexiones sobre los modos en que la identidad propia y la de los demás; y cómo se construye la realidad.

En este modelo el niño tiene el papel importante, ellos eligen junto al profesor los temas que van a tratar a lo largo del año. Puede que sea algo difícil llegar a un acuerdo, pero si el profesor se lo prepara y está convencido de lo que está haciendo lo lograrán. Ellos deberán darle respuesta a las incógnitas que se planteen a través de la investigación, llegando a sus propias conclusiones sin que nadie se las imponga. Deberán investigar e interpretar el mundo a su manera y, otra cosa importante, enseñarles a utilizar lo que saben de manera correcta. No sirve de nada saber mucho, haber memorizado mucha información y conceptos si después no sabes qué hacer con ella.

Para entender una obra tienes que pasar por ese proceso antes. Para comprender una creación es necesario que sepas crear.

Abordamos el modelo de comprensión crítica cuando:

-el poder de las imágenes

-el papel de las imágenes

-el por qué y para qué de las imágenes

-el conocimiento complejo

-proyectos de trabajos en los que construimos nuevos conocimientos

En este modelo trabajamos estableciendo relaciones entre las diferentes imágenes que nos planteemos, cuestionándolo todo, reflexionando el proceso (cómo llega hasta nosotros, cómo nos afecta, cómo nos modifica y cómo interviene en nuestra construcción de la realidad y en la de nosotros mismos), comprendiendo que, en cierta medida, vivimos a través de la imágenes y pensando que relevancia tenemos en la sociedad y hasta qué punto eso depende de las imágenes.

La finalidad de este “tipo crítico” es contribuir  a la construcción de un nuevo sujeto de conocimiento, el sujeto preformativo. Y la reforma comenzará también de modo periférico y marginal. Como siempre la iniciativa no puede venir más que de una minoría, al principio incomprendida, a veces perseguida.

 

CAPÍTULO 2:

“El dibujo infantil: imágenes, relatos y descubrimientos simbólicos”.

Este capítulo habla sobre los dibujos realizados por los niños en su infancia, el niño empieza a realizar dibujos de forma espontánea en los que predomina la figura humana.

Los niños empiezan a dibujar sobre los dos años representando cosas mediante garabatos o líneas, los artistas del S.XX empezaron a darle importancia al igual que investigadores de la psicología evolutiva como Jean Piaget que realizó una investigación sobre los dibujos infantiles.

Los rasgos más importantes de los dibujos infantiles son:

-El principio de aplicación múltiple o proceso de esquematización: consiste en que un mismo objeto puede representar varias cosas para el niño.

-El principio de la línea base: dice que una línea horizontal que cruza el folio puede sostener varios objetos, esto puede señalarnos lo que está arriba y abajo, a los ocho años será cambiado por una superficie extensa que dará sensación de cercanía o lejanía de los personajes.

-El principio de perpendicularidad: relación entre un objeto y la base perpendicularidad en la que se apoye.

-El principio de la importancia del tamaño: se dibuja a las personas de igual tamaño a objetos más grandes que la persona o miembros del cuerpo desproporcionados.

-Principios de aislamiento: para representar un conjunto de elementos iguales se dibujan uno a uno, como ejemplo el pelo, el cual dibujan pelo a pelo.

-El principio del imperativo territorial: los elementos disponen de su espacio propio.

-El principio de la forma ejemplar: se elegirá un modo de representación donde destaquen las principales características de este objeto.

-El principio de abatimiento: Todavía no se ha adquirido la diferencia entre frontalidad y vista de perfil.

-Principio de rayos x: Se dibujan todas las partes del objeto hasta las que no se ven, como si fuese una transparencia.

En el primer año se suele dibujar garabatos pero mientras crece el dibujo es más complejo, después de los garabatos el niño dibujará el cuerpo humano el cual predominará en los dibujos en adelante, las figuras predominantes después de la figura humana es el sol, las casas, los árboles, nubes y flores.

El dibujo cambia según crece el niño, se han realizado varios estudios:

-En 1921, C. Burt propuso una clasificación de siete etapas:

1. Garabateo (2-3 años).

2. Línea (4 años).

3. Simbolismo descriptivo (5-6 años).

4. Realismo (7-9/10 años).

5. Realismo visual (10-11 años).

6. Represión (11-14 años).

7. Renacimiento artístico (después de los 14 años).

-Viktor Lowenfeld publicó seis etapas a mediados del Siglo XX:

1. Garabateo (2-4 años).

2. Preesquemática (4-7 años).

3. Esquemática (7-9 años).

4. Principio del realismo (9-11 años).

5. Seudorrealista (11-13 años).

6. Decisión (13-17 años).

Para terminar decir que hay que estimular al niño para que dibuje, hay muchas opiniones sobre el dibujo infantil, se dan muchas etapas y muchos investigadores crean diferentes fases en el dibujo.

 

REFLEXIÓN SOBRE QUÉ MODELO PREDOMINA EN EL CURRÍCULUM Y PROPUESTA DIDÁCTICA

El modelo que predomina en nuestras escuelas es el modelo de “la Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual” (C), con unas pinceladas del modelo “Educación Artística basada en el proceso, vinculada al sistema productivo” (A). El currículum habla de lenguaje plástico, que se articula en dos ejes: percepción y expresión, que es más o menos a lo que hace referencia el “modelo C”  (afirma que hay un lenguaje visual: conocer los componentes del lenguaje para leer una imagen o crearla). Los bloques de contenidos se crean a partir de estos dos ejes.

El modelo “C” tiene aportaciones útiles, que ya se ha explicado antes, aunque sea insuficiente y no entienda la educación artística como aquí se está proponiendo. Ya se ha dicho que conocer los componentes del lenguaje visual no hace que se llegue a entender el significado de la obra, ni hace que los alumnos adopten una visión crítica, pero en el currículum se presentan objetivos valioso como es acercar a los alumnos a diversas manifestaciones culturales y artísticas, la utilización de diversas técnicas y recursos o promover la creatividad. Esta es la parte útil del currículum, aunque sea insuficiente y olviden aspectos muy importantes, pero el hecho es, que encima de entender la educación artística de forma errónea (a mi parecer) lo que aparece en los documentos, lo que puede ser algo útil, se queda en lindas frases que luego en general no se cumplen. Si algún profesor ignora los objetivos de la asignatura de lengua y no alcanza los objetivos marcados en el currículum no se lo permitirían, ya fuera en las reuniones de ciclo o la misma familia cuando viren lo que el niño estaba aprendiendo. Esto no pasa con la asignatura de “plástica”, en el centro no les importa si un maestro se lleva toda la vida mandando trabajos manuales sin sentido como es: llega el día de la paz y todos a colorear palomas; llega carnaval y todos a colorear disfraces (seguramente una fotocopia de algún disfraz); llega la romería y a colorear caballos y trajes de gitanas. De todos modos, no digo que todos hagan estos, otros siguen el libro de plástica que indica la junta que está lleno de actividades que en mi parecer tampoco alcanza lo poco útil que se puede encontrar en el currículum.

Yo llevaría a las aulas el modelo “D”, que es que estamos trabajando.

En el primer ciclo propondría, de una forma estructurada y con un propósito concreto, actividades que fomentarán la creatividad y la espontaneidad, actividades que les ayudará a romper con lo estipulado y que les enseñara que algo artístico no está bien por realizarlo correctamente, sino que está bien cuando el niño le da una intención u por qué, es decir, justifica lo que realiza y si esto va acompañado de trabajo y esfuerzo. Actividades que hicieran que a la vez que el niño progresa su actitud crítica también lo hace, es decir, que fomenten una actitud crítica rompiendo con la tradición de hacer que todos los niños tengan una visión conformista ante la vida y que, encima, crean que eso es lo normal. Durante todo el proceso el niño irá siendo más consciente cómo se construye nuestra realidad y nuestra identidad.

(Aunque no lo especifique lo que propongo en el primer ciclo se seguirá trabajando en el resto de ciclo, adquiriendo complejidad a la vez que vaya evolucionando el nivel del niño.)

Una vez que tienen esa base (actitud crítica, ser creativos y utilizar el arte con una intención, no hacer por hacer porque tengo que hacer algo), propondría en el segundo ciclo acercar al alumno de una forma cerca la evolución del arte y aspectos un poquito técnicos, porque también es importante conocer y saber, pero de manera significativa. Para ello, el maestro tendría que pensar como presentar este tema de manera que despertara curiosidad en el alumnado para que ellos quisieran investigar. Se les propondría actividades en las tuvieran que utilizar técnicas que les fueran curiosas y desconocidas, para que despierten su interés; y hacerlo relacionándolo con sus intereses. A un alumno si se le propone conocimientos lejanos no le encuentra utilidad y les aburre. La parte más teórica, por así de decirlo, se podría plantear de la siguiente manera: la clase se podría dividir en pequeños grupo que se encargaran de investigar una parte de la historia del arte. Para lograr la atención del alumnado el profesor podría mostrar a la clase datos curiosos y poco conocidos que fomentara la curiosidad de la clase. Esta parte no se trata de que un segundo ciclo de primaria estudie historia del arte, sino que realicen portafolios en el recojan información que les aporte algo, que les sirva de todos estos siglos de arte, cogiendo  de varias fuentes investigándolas, para que se queden con lo que se quería trasmitir con las imágenes a lo largo del tiempo, cómo las imágenes eran influenciadas por la sociedad y cómo las imágenes influenciaban a la sociedad, entender cómo en sus tiempos muchas obras rompieron con lo establecido y fueron creativas e innovadoras y mantener una visión crítica con todas las imágenes. El portafolio se podría llamar ¿Qué se puede aprender de un cuadro?

En el tercer ciclo se podría dedicar a realizar sus propias creaciones, utilizando lo que han aprendido en los ciclos anteriores, teniendo presente el esfuerzo que debe suponer una obra y saber, de ante mano, qué quiere contar, trasmitir, expresar. Pero el ciclo podría girar entorno la reflexión de ¿por qué cambia el arte?, ¿por qué cambiar el arte?

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